Master Artist
Les artistes
Julien CORTADE
Isabelle COTILLARD
Michèle AUDERSON
PERROTTE
Géraldo RAMOS
Géraldine QUENETTE
Olivier BATAILLE
Lisa FEUERSTEIN
Edouard LERUSTE
Nathalie FOULADOUX
Joël SAUVAGE
Ramona BÄCHTIGER
Vincent GIVOGRE
Georges CABOT
Jean VAN VAERENBERGH
Joseph TABBI
Théodora LECRINIER
David VUILLERMOZ
Virginie MONANGE
Julien CORTADE
Artiste peintre rêveur et engagé
Né à Marseille en 1990, Julien Cortade passe sa jeunesse entre la Provence et les Alpes. S’inspirant de la nature environnante et fasciné par les paysages qui l’entoure, il développe rapidement une passion pour le dessin et la peinture. Dès l’enfance, il dévore les bandes dessinées et tisse ses propres récits à partir des images qu’il voit sans même lire les histoires. Révélant ainsi son attrait pour la création et l’interprétation visuelle, qui l’ont accompagné tout au long de son parcours.
Un rêveur solitaire doté d’une imagination débordante.
Il continue de nourrir sa passion en autodidacte lorsqu’il découvre le graffiti au cours de son adolescence, mettant le système éducatif au second plan.
Actuellement Designer et chef de projet pour une entreprise de cheminées de luxe à Aix-en-Provence, Julien a aujourd’hui l’opportunité d’y exposer ces œuvres en grand nombre. En parallèle, il exerce comme Architecte d’intérieur indépendant.
Ses engagements professionnels n’ont en rien réduit sa motivation, il maintient sa passion artistique au cœur de sa vie, dévoilant chaque soir une nouvelle toile, empreinte de son style singulier.
Son travail s’oriente sur la mise en couleur de souvenirs de voyage et sur ses interprétations du quotidien. Julien explore des thématiques humaines et surréalistes fusionnant ainsi une part de rêve et de réalité dans ses œuvres.
À travers sa peinture, il capture la vie, puisant son inspiration dans la beauté de son environnement.
À travers ces œuvres, il cherche à partager une vision alternative qui perturbe l’ordre établi et dénonce les aspects du monde qui ne lui conviennent pas. Illustrant ces critiques, il s’attache également à retranscrire les aspects positifs de ce qu’il observe, cherchant ainsi à véhiculer des messages d’espoir. C’est ce qu’il définit comme « sa quête ».
Isabelle COTILLARD
Artiste peintre portraitiste
Isabelle Cotillard est une artiste professionnelle dont l’œuvre explore la féminité dans toute sa diversité et sa profondeur. À travers des portraits et des compositions vibrantes, elle rend hommage à la femme en tant que source d’inspiration, de force et de mystère. Après des années en tant qu’architecte, elle se consacre à la peinture à l’huile, attirée par la richesse de sa texture.
Son travail est centré sur la femme, incarnant tantôt la force, tantôt la vulnérabilité. Elle réinvente la représentation féminine avec un style mêlant réalisme et poésie. Ses œuvres révèlent une fascination pour la beauté, les émotions et l’âme féminine. Elle montre à travers ses toiles la femme dans tous ses états, de la femme statique, nostalgique, pensive, triste et petit à petit la femme en mouvement. La femme commence à oser se déplacer, sauter, marcher, danser. Le mouvement prend toute sa place par la posture du personnage, par le geste vif et dynamique du pinceau, par les couleurs.
« Mon travail retrace un peu mon parcours de ces dernières années. Je revendique une démarche figurante pour évoquer la vie, les sentiments, l’émotion, bref : La femme. »
EXPOSITIONS
10-2025 Salon ART3F Haute Savoie
09-2025 Salon International des Artistes contemporains, AIDAC 83 à St-Tropez 05-2025 Salon ART 2025, Plan de la Tour
05-2025 Société des Amis des Arts de Grenoble, Salon de peinture et sculpture 02-2025 Salon Art Capital, Grand Palais, Paris.
Artiste certifié
PRIX ET RÉCOMPENSES
1er Prix de la Ville de St-Tropez – 2eme Prix de l’Association AIDAC de St-Tropez
Grand Prix des Amis des Arts Grenoble
Michèle AUDERSON
Artiste peintre empreinte de poésie
Michèle Auderson, née à Paris, vit et travaille à Saint‑Raphaël.
Elle s’est lancée dans une technique très originale de l’huile, utilisant un support préparé, peu de matière, et travaillant en transparence grâce aux médiums.
Au départ, elle se laisse guider par son inspiration, ne cherchant pas de modèles ni de règles strictes, et utilise les reliefs du support pour canaliser sa créativité.
Aquarelliste de formation, elle a passé de nombreuses années de recherche sur les paysages avant d’aboutir à ce style très personnel, en rupture complète avec ce qu’elle faisait alors.
L’expression de Michèle Auderson est celle d’un monde onirique : ses tableaux sont peuplés d’animaux et de symboles fabuleux qui semblent jaillir avec une totale liberté ou une subtile et surréaliste poésie.
Elle sollicite en nous une certaine candeur empreinte de joie et d’émerveillement, mais,
sans concession, elle nous suggère aussi l’ironie et la « littérature » de nos vies.
FORMATION
Études de sciences économiques de Paris, stages d’Aquarelle à l’Atelier C. Nicaud. Cours d’académie et de perspective à la Villa Thiole (Nice).
Cours d’académie à la Villa Arson à Nice. École des Beaux-Arts à Nîmes – ESDAC.
L’ORIGINALITÉ DE SON ŒUVRE LUI A VALU QUELQUES DISTINCTIONS
2025 : Participation au salon RED Dot Fair – Miami
2020 : Salon du Grand Format Saint-Raphaël
2019 : Grand Prix de la ville de Saint-Tropez
2015 : Grand Prix du Comité Monégasque AIAP UNESCO
Entre 2008 et 2010 : Participation à “Art en Capital” au Grand Palais
PERROTTE
Artiste Street Art
PERROTTE est né à Perpignan en 1946, sur une terre chaude et colorée qui chante au rythme du vent. De cette origine méditerranéenne, il conserve l’énergie, la lumière et le mouvement. En lui coexistent l’axe et le socle, la fougue et l’ancrage, l’instinct et le vécu.
Son parcours est celui d’un peintre autodidacte. Dès l’adolescence, il se passionne pour l’art et plus particulièrement pour la peinture abstraite. Très jeune, il explore la matière en devenant souffleur de verre, activité qu’il exerce de ses quinze à vingt-deux ans. Il poursuit ensuite sa trajectoire professionnelle dans le domaine de l’éclairage architectural, où il travaille comme commercial pendant douze années avant de créer sa propre société de distribution d’éclairage architectural. Le véritable déclencheur de sa pratique picturale survient en Côte d’Ivoire, lors d’un atelier de peinture, moment fondateur qui transforme une sensibilité latente en engagement artistique profond.
Sur ses toiles apparaît presque toujours un axe central — vertical ou horizontal — droit sans jamais être rigide. Cet axe devient la colonne vertébrale de sa création, le point d’équilibre autour duquel se déploie son univers pictural. Il structure l’espace, organise la tension et donne à l’œuvre sa respiration.
PERROTTE construit ses œuvres avec énergie et générosité. Les pinceaux et les brosses virevoltent, cherchant un équilibre subtil entre force et retenue, spontanéité et maîtrise.
EXPOSITIONS :
Pau, Toulouse, Bordeaux, Biarritz, Perpignan, Marciac, Marseille, Montpellier, Cannes, Paris, Lille, Saint-Paul-de-Vence, Lyon, Mulhouse, Nantes, Metz, Rennes, Nice, Aix-en-Provence, Deauville, La Baule, Saint-Tropez, Monaco, Genève, Bruxelles, Luxembourg, Lausanne, New York, São Paulo, Barcelone, Mexico, Zurich, Miami.
Géraldo RAMOS
Artiste plasticien
est un artiste peintre d’origine brésilienne, aujourd’hui installé dans le Sud de la France, dans un village du Golfe de Saint-Tropez. Formé en architecture et urbanisme, il débute sa carrière à São Paulo en tant que directeur artistique en agence de publicité, développant une approche visuelle à la fois structurée et créative.
En 1983, un voyage en Europe marque un tournant décisif : il s’installe à Londres pour se consacrer pleinement à l’étude du dessin et de la peinture. Après plusieurs années, il poursuit son parcours à Paris, avant de retourner au Brésil en 1998, puis de revenir définitivement en France en 2001.
Installé depuis en Provence, dans un environnement entre collines et mer, Geraldo Ramos développe une œuvre située à la frontière du figuratif et de l’abstraction. Sa pratique s’exprime principalement à travers la peinture à l’huile et le dessin aux crayons de couleur. Son travail témoigne d’un équilibre entre rigueur architecturale et liberté artistique, où la couleur et la composition occupent une place centrale dans la recherche d’un langage visuel personnel.
Géraldine QUENETTE
Artiste sculpteur contemporaine
Géraldine Quenette est une artiste sculpteur contemporaine française. Son travail s’articule autour de la représentation du corps humain, de son équilibre et de son déséquilibre, comme moyen d’expression des émotions.
À travers la sculpture figurative, elle cherche à traduire ce que le corps exprime avant même le visage : la tension, l’effort, la concentration, la fragilité ou l’abandon.
Le mouvement, souvent inspiré par le sport et les scènes de vie, est au cœur de sa démarche artistique.
Ses œuvres, réalisées en bronze, sont pensées comme des instants suspendus, où le corps devient langage. Elle accorde une attention particulière aux postures, aux lignes et à la lisibilité du geste, afin de transmettre une émotion immédiate et universelle.
Géraldine Quenette expose régulièrement en France et propose également des œuvres sur commande, destinées à des espaces privés ou professionnels.
EXPOSITIONS
– Sol’Art à TASSIN LA DEMI-LUNE du 12/09/2025 au 22 /09/2025
– ART 3F à La Roche sur-Foron du 10/10/2025 au 12/10/2025
– Semaine Féminine au Prieuré du Bourget-du-Lac du 28/02/2026 au 08/03/2026 – ART 2026
Olivier BATAILLE
Sculpteur sur marbre
Né à Paris en décembre 1951, Olivier Bataille suit d’abord un cursus artistique classique. Il sort diplômé de l’École Supérieure d’Arts Graphiques de Paris (ESAG Penninghen) en 1978.
Pendant près de quinze ans, il mène une carrière d’architecte d’intérieur et de designer. Ce n’est qu’en 1990 que sa trajectoire bascule lors d’un séjour à Carrare, en Italie. Dans ce haut lieu mondial du marbre, il s’initie à la taille directe, une technique exigeante où l’artiste sculpte la pierre sans modèle préalable en plâtre ou en terre.
À partir de 1992, il abandonne le design pour se consacrer exclusivement à la sculpture.
Après avoir fréquenté divers ateliers à Paris et Amsterdam, il s’installe en 1997 à Cotignac, dans le Var (Provence). Il y partageait sa vie et son atelier avec la sculptrice Saskia Van der Made.
« Mon travail est volontairement limité au minimum… Chercher dans une carrière une pierre informe et lui donner forme pourrait être l’essentiel de ma démarche. »
Ses œuvres font régulièrement l’objet d’expositions dans des galeries spécialisées et sont intégrées à des collections privées internationales. Il est aujourd’hui membre de La Maison des Artistes.
Lisa FEUERSTEIN
Artiste pluridisciplinaire
Je me prénomme Lisa Feuerstein, artiste et créatrice de mode. Mon art raconte un voyage sur le chemin qui mène à notre conscience et explore notre résonance avec le monde. Inspirée par le potentiel infini qui est en nous, mes œuvres capturent souvent une expression de ce qui repose, tempête et grandit dans les profondeurs de notre esprit.
Dans mes œuvres, il s‘agit du miracle du potentiel. Qui sommes-nous dans l‘infiniment petit dans l‘infiniment grand. Comment la conscience se déplace-t-elle et change-t-elle, et quel est le rapport entre la magie et la physique ?
Mes racines se trouvent à Cologne, en Allemagne, mais comme ma sœur et ma mère vivent dans le sud de la France, je suis toujours attirée par cette région. J‘ai étudié la mode et le design de communication à Düsseldorf. J‘ai suivi directement ma voie et mon désir d‘indépendance en tant qu‘artiste et j‘ai commencé à publier mes premières œuvres en 2021, ainsi qu‘à organiser mes premières expositions à Cologne et dans le sud de la France. Pendant mes études, j‘ai eu la possibilité de participer à des expositions de groupe à Cologne, dans le Severinstorburg et au NRW Forum à Düsseldorf. Depuis, j’expose dans des lieux renommés du sud de la France et j’ai pu m’établir en tant qu’artiste grâce à 4 grandes expositions solo et de nombreuses petites expositions et événements. L’été 2023 j’ai eu l’honneur de présenter mon premier œuvre d’art en réalité virtuelle lors de mes premières expositions solo au Lavoir Vasserot à Saint-Tropez. Avec un casque de réalité virtuelle, mes visiteurs peuvent pleinement s’immerger dans mes œuvres et interagir avec l’univers virtuel que j’ai créé.
De plus, je propose dans mes expositions des peintures en direct (Live-Painting), que je présente grâce à la VR, afin d’offrir aux spectateurs un aperçu authentique de mon processus créatif. Vous pouvez découvrir cette expérience dans une vidéo disponible sur mon site web à l’adresse suivante : https://www.lisafeuerstein.com/ar
EXPOSITIONS
Lavoir Vasserot – depuis trois années – Plan de la Tour : Foyer des Campagnes 2025
St-Tropez : Do you Tropez Art Legacy – Le Club55 – Salama – Trinity
Ste-Maxime : Casino Barrière / Grimaud : Atelier GECA / Bandol : The Green Line Gallery
Les Issambres : La Réserve Gayrard / Düsseldorf : NRW Forum etc…
Edouard LERUSTE
Sculpteur Street Art
Sculpteur contemporain « street Art » à la Garde Freinet.
Artiste et designer français, Edouard Leruste est né à Roubaix en 1983, il vit et travaille à Cogolin.
Artiste et designer français, ce créateur a anobli l’acier en lui insufflant des formes contemporaines et oniriques.Portrait d’une personnalité anticonformiste à l’humeur inoxydable qui repousse les frontières de l’imaginaire.
Dans le monde de l’art contemporain, émerge un nom dont l’œuvre évoque aussi bien l’intrigue que la réflexion : Édouard Leruste.
Artiste-sculpteur français, Leruste transcende la conventionnalité par ses sculptures en acier oxydé qui captent l’essence d’une géométrie à la fois stricte et libérée. Dans son atelier, les lois de l’abstraction rencontrent le feu de la matérialité, les fragments de métal oxydé épousant des formes qui défient le regard comme l’esprit.
Au cœur de l’approche de Edouard Leruste se trouve une profonde relation avec la géométrie.
Ses œuvres non conformistes révèlent une compréhension aiguisée des lignes, des angles et des courbes qui interagissent pour créer des compositions harmonieuses. La géométrie, loin d’être froide et impartiale, est animée sous ses mains pour devenir un langage vibrant, communiquant complexité et simplicité en une seule respiration.
Edouard Leruste n’hésite pas à questionner et à dénoncer par son art les absurdités et paradoxes du monde moderne.
Chaque sculpture semble être une antithèse de la réalité acceptée, un hommage ironique à la subversion.
Les formes géométriques assurées et les surfaces délibérément oxydées créent un dialogue entre décrépitude et durabilité, entre croissance et décomposition, refusant la passivité en invitant au questionnement.
Nathalie FOULADOUX
Artiste peintre & sculpteur
Artiste résolument contemporaine.
Très jeune la danse fut sa première passion ; se mouvoir dans un espace en utilisant sa gestuelle, finalement deux arts qui se rapprochent.
À l’âge de 15 ans, elle a dû abandonner ce rêve de danseuse classique pour les arts graphiques. Diplômée de l’école supérieure des Arts Appliqués «Duperré» à Paris en 1989, elle a exercé le métier de graphiste en agence publicitaire, dès sa sortie. Pendant ses études, l’un de ses professeurs ami, Gérald Garand, lui-même artiste peintre, lui a transmis sa passion pour la peinture.
Rebelle, indépendante, créative, cette expérience professionnelle ne lui a pas permis de s’épanouir.
L’appel à la nature fut plus fort que tout, elle décida d’aller vivre à Chamonix en 1998 où elle créa son atelier de peinture pour transmettre sa passion, une aventure qui durera vingt ans.
Son inspiration, la nature source inépuisable de réconfort et d’énergie positive.
L’eau, la terre, les énergies et les contrastes ont incontestablement des répercutions sur sa peinture. Son inspiration est également fortement émotionnelle. Son style, une peinture abstraite et lyrique, qui vous emporte dans son fond intérieur. Ces tableaux sont le témoin de ses sentiments et de ses émotions personnels.
L’artiste semble laisser couler la peinture sur la toile comme pour nous livrer quelques lignes de vie, ses cicatrices et ses questionnements.
Elle travaille essentiellement la peinture acrylique, mais aime sortir de sa zone de confort en allant expérimenter le fusain ainsi que l’encre. Ce qui l’amène petit à petit vers une peinture où les différentes techniques se mélangent, afin de jouer avec la transparence de l’encre et l’opacité de l’acrylique. L’originalité du support est un atout ; il se modifie au gré du temps.
L’art restera le reflet d’une époque ; il faut l’accueillir comme une évidence, un témoignage dans notre société actuelle. Après 29 ans passés dans la vallée de Chamonix, c’est dans le Var qu’elle trouvera sa nouvelle terre d’accueil, dans ce coin magnifique et pittoresque du Sud de la France.
Joël SAUVAGE
Artiste peintre
Né le 15 avril 1961 dans le nord de la France, Joël Sauvage est un artiste autodidacte passionné par l’art abstrait et contemporain.
C’est d’ailleurs très jeune qu’il ressentit cette attirance vers l’art du dessin et des arts plastiques. Il structure ses premiers croquis très tôt mais son parcours de vie l’éloignera un temps de sa passion première.
Il explore différents thèmes en transcendant les limites du figuratif pour exprimer ses émotions. Son travail reflète une approche intime et personnelle de son univers créatif, où il marie des éléments et des matières de manière originale pour produire des œuvres riches en couleurs, à la fois uniques et complexes.
Ses créations explorent une alchimie visuelle qui capte la diversité et la profondeur des émotions à travers des compositions abstraites. L’artiste développe une approche créative profondément intuitive, laissant chaque geste et chaque matériau guider l’évolution de ses œuvres.
Il commence souvent ses tableaux sans anticiper la direction que prendra la création, préférant laisser la matière s’exprimer, se laissant surprendre par la manière dont les textures, les pigments et les couches se mélangent et interagissent entre elles.
« Selon moi, la peinture est un dialogue constant entre l’artiste et la toile, une sorte de chorégraphie silencieuse où chaque mouvement a une influence directe sur l’équilibre final de l’œuvre ».
Il utilise des matériaux divers comme des pigments naturels, du sable, du métal broyé, des tissus et parfois même des résines industrielles pour créer des effets de profondeur et de relief. Ses œuvres sont le fruit d’un processus de superposition de couches qui, petit à petit, donnent vie à des paysages abstraits, des mondes imaginaires où les couleurs et les formes semblent émerger de manière organique.
Ramona BÄCHTIGER
Sculpteur
Pourquoi suis-je sculpteur sur bois ?
Je sculpte le bois parce que c’est ce dans quoi je me sens. Il est difficile de trouver une raison à cela… C’est une passion. Dans le langage courant, la «passion» et la «raison» ne sont-elles pas contradictoires ?
D’un autre côté, j’ai des exigences très élevées en ce qui concerne le détail subtil, la coupe juste et la ligne nette.
Cette exigence, qui m’a été transmise par mes professeurs à l’école de sculpture de Brienz, s’exprime dans mes travaux réalistes et décoratifs. Cela pourrait aussi être une raison.
Je sculpte le bois parce que je suis très exigeant envers moi-même. Le bois est l’un des matériaux les plus compliqués à apprivoiser.
J’aime cette difficulté, j’aime repousser mes limites pour chercher le détail dans l’infiniment petit, la coupe réputée impossible…
J’aime aussi la simplicité, la fluidité du regard. Mais combien d’heures faut-il pour trouver cette ligne qui semble si évidente ?
Combien de dessins préparatoires ?
Combien d’ébauches ?
Mon travail consiste à me rencontrer moi-même dans le monde du matériau «bois» et de son traitement. Ce travail me libère dans la mesure où il m’apprend la patience et l’humilité.
Vincent GIVOGRE
Sculpteur abstrait
Né en 1976 à Aix-en-Provence, j’ai toujours pratiqué les arts plastiques.
Après des études de philosophie et d’ethnologie à la faculté de lettre d’Aix, j’ai suivi la Formation Professionnelle au Métier de Comédien au Théâtre des Atelier à Aix.
Je suis diplômé de l’École Supérieure d’Ébénisterie d’Avignon (section sculpture, dorure) en tant que Technicien des Arts Mobiliers, Sculptés et Décoratifs.
Plasticien à temps plein depuis 2015 je travaille le bois et la pierre en taille directe, le métal, le bronze, ainsi que le dessin, et la peinture.
À l’instar de Nicolas de Staël, je pense que l’œuvre d’art devrait être « à la fois abstraite et figurative ».
Ma sculpture se veut abstraite en tant que jeu de matière(s) et figurative en tant que déploiement d’un espace.
Le mouvement occupe une place fondamentale dans mon travail. J’entends par mouvement, le passage de la forme, du champ du probable, à sa réalisation plastique. C’est l’action de la matière sur le vide, actualisée par le geste créatif.
PRIX ET RÉCOMPENSES
Prix du jury festival Camille Claudel 2025 La Bresse (88)
Invité d’honneur 2024 du 36ème salon de peinture et sculpture Pennes-Mirabeau, Marseille.
Lauréat du jardin de sculpture Sculpt’en, Sologne 2021, septembre 2021
Georges CABOT
Artiste Peintre
Georges CABOT signe ses toiles GECA
Inscrit à la Maison des Artistes à Paris.
Geca est un artiste peintre passionné, dont les œuvres reflètent une véritable connexion avec la nature et l’exploration des émotions humaines. Ses toiles, teintées de couleurs vives et de touches expressives, invitent le spectateur à plonger dans un univers pictural unique.
Depuis son plus jeune âge, Geca a toujours été fasciné par l’art et le pouvoir de la peinture à exprimer ses ressentis. Ayant suivi un parcours artistique en autodidacte, il a développé un style personnel, mêlant influences abstraites et figuratives. Ses œuvres, empreintes de sensibilité, explorent des thématiques telles que la nature, les paysages, la condition humaine.
Geca manie avec aisance différentes techniques picturales, passant de l’acrylique à l’huile, du couteau à palette, aux pinceaux, pour donner vie à ses compositions. Inspiré par les maîtres de l’impressionnisme et de l’expressionnisme, il s’approprie leurs techniques tout en apportant sa propre touche singulière.
EXPOSITIONS ET RECONNAISSANCE
Il a exposé ses œuvres dans de nombreuses galeries et salons d’art contemporain, en France comme à l’étranger. Ses peintures sont appréciées par un public toujours plus large, qui reconnaît la force émotionnelle et l’authenticité de son travail. Plusieurs de ses toiles font désormais partie de collections privées et institutionnelles.
Jean VAN VAERENBERGH
Sculpteur d’acier
« La Passion » Des animaux Format XXX
Artiste Belge, personnage passionnant et intrigant ,mais véritablement Artiste !
Jean Van Weyenberg est musicien de métier et passionné de sculpture depuis 2009.
L’acier est son terrain d’expression, source inépuisable de forme et de finition.
L’univers du végétal et des animaux bizarres, sont pour lui un sujet de prédilection !
Rechercher les formes dans les aciers recyclés ici et là, en chrome, inox, au format brut, oxydé, ou même rouillé, c’est ce qui le passionne et l’inspire pour faire naître ces nouveaux animaux.
Il affectionne particulièrement les poissons aux formats impressionnants !
Passionné de Jazz, l’Acier reste son terrain de jeux favori, l’univers végétal et les animaux bizarres font parts de ces pièces de collections réputées.
Joseph TABBI
Sculpteur de pierres
Artiste émergeant, Sculpteur de Pierres et de Granit.
Né en 1980, cet artiste discret et passionné, s’est approprié un univers de forces et de beauté.
Il habite aujourd’hui au Plan de la Tour dans le Var.
C’est une rencontre avec un artiste un peu particulier que nous vous invitons à découvrir.
Ce designer apprivoise et façonne la pierre pour lui donner des formes élégantes, pour en faire des œuvres et sculptures contemporaines hors du commun.
Bientôt dix années de complicité avec ce matériau noble, mais si fragile.
Au fil du temps a trouvé son inspiration, apprécie les formes, les textures et couleurs de cette magnifique pierre.
Ses œuvres sont façonnées par des techniques traditionnelles détournées et parfois un peu abrupte.
Rugueuses ou délicates, elles deviennent des créations originales et contemporaines.
Théodora LECRINIER
Céramiste et Sérigraphiste
Installée à La Garde-Freinet depuis 2021 au sein de son atelier-galerie « L’Écrin », Théodora Lecrinier s’est réimplantée dans le Var après quinze années passées en Angleterre à collaborer avec divers acteurs culturels. Sa démarche est une quête permanente de dialogue entre des savoir-faire millénaires et une esthétique contemporaine, à la fois organique et sculpturale.
Fascinée par la transformation des matières, elle explore deux axes complémentaires au cœur de sa recherche artistique : l’utilisation d’émaux de cendres locales, qu’elle compose à partir de végétaux du territoire varois, et l’expérimentation des cuissons primitives en fosse (pit-firing).
Cette technique ancestrale, où la pièce est soumise directement aux flammes et aux éléments combustibles, produit des marbrures aléatoires allant du gris fumé au noir profond. Chaque œuvre devient ainsi le témoin d’une rencontre spontanée entre la main de l’artiste, la chaleur du feu et la matière organique.
Travaillant principalement le grès chamotté, elle privilégie le montage au colombin. Cette méthode manuelle lui offre une grande liberté dans l’exploration des volumes et des textures. Les marques laissées par ses outils — peigne, ébauchoir, mirette — apportent une vibration unique aux pièces, créant des reliefs où l’émail vient se nicher pour offrir des nuances de profondeur et une intensité chromatique singulière.
MOZ David VUILLERMOZ
Artiste Photographe, Plasticien
Installé à La Garde-Freinet depuis 2021 au sein de son atelier-galerie « L’Écrin », David Vuillermoz, connu sous le pseudonyme MOZ, est un photographe français spécialisé dans la photographie d’architecture.
Depuis 2007, il s’investit sur des chantiers de construction, où il explore les dynamiques sociales et culturelles à travers sa série sociologique Les Bâtisseurs de la cité phocéenne.
Ce projet documente le quotidien des ouvriers participant à la transformation urbaine de Marseille, en mettant en lumière la dignité et l’importance de ces travailleurs, souvent invisibles mais essentiels à l’édification de nos villes.
En 2017, MOZ a également réalisé un travail pour l’Ordre de Malte, capturant des portraits de personnes autistes. Ce projet sociologique visait à révéler leur singularité, leurs défis et leur humanité à travers des images touchantes. Une exposition privée a été organisée à l’intention des familles des personnes photographiées.
Parallèlement à son travail documentaire, MOZ adopte une démarche artistique qui fusionne le visible et l’invisible, le matériel et l’immatériel, il aborde des enjeux contemporains à travers diverses séries photographiques.
Ses œuvres à la fois constructivistes et espiègle, invitent à une réflexion sur la place des objets du quotidien nos vies. Il va même jusqu’à fabriquer des cadres monumentaux en béton, en acier ou en verre pour présenter certaines de ses œuvres, c’est, comme il le dit le prolongement tactile de ses images.
Virginie MONANGE
Peintre du silence, de la lumière et de l’espace
Artiste peintre formée aux arts visuels et installée dans le Sud-Est de la France, elle crée des œuvres contemporaines où le minimalisme dialogue avec des compositions graphiques aux lignes structurées et une palette de couleurs vibrantes et lumineuses. Son univers oscille entre des paysages méditerranéens baignés de soleil et des figures féminines solitaires évoluant dans des architectures monumentales et imaginaires. Ces présences silencieuses et ces lieux ouverts composent un langage visuel épuré à la frontière du réel et du rêve.
Son inspiration naît des éléments de son environnement et de ses voyages, qu’elle recadre à l’image du photographe, dans une approche hyper-réaliste ou fantaisiste, pour aboutir à une esthétique harmonieuse et moderne.
Elle utilise la peinture à l’huile pour sa texture veloutée, sa transparence et la richesse de ses nuances qui lui permettent d’obtenir une douceur toute particulière.
Face à un quotidien parfois morose, ses toiles offrent un refuge et une parenthèse d’apaisement. L’artiste invite à ralentir, respirer et ressentir pleinement. Ses peintures sont pensées pour habiter des espaces intérieurs avec élégance, pas seulement comme des objets décoratifs, mais comme des présences sensibles et raffinées. Chaque toile est une invitation à la contemplation, à l’évasion et à une expérience intime de calme, de beauté et de sérénité.
PRINCIPALES EXPOSITIONS :
Paris – Tokyo – Barcelone – St-Tropez – Marseille – Megève – Chamonix Annecy Grenoble – Stations du Vercors – Toulouse – Mulhouse…
DIVERS :
4ème Prix Van Gogh 2026 – The 12 Masters Art Prize
Artiste cotée par l’Académie Nationale d’Art Contemporain – Montpellier
1er Prix de Peinture 2025 de la ville de St -Tropez